Disons que l’idée de façon générale par rapport au festival est de réussir à conserver l’atmosphère, l’univers du dernier album et de la dernière tournée, alors évidemment c’est un exercice de style car on est dans un format réduit, on a une heure alors qu’on aurait deux heures en salle, mais l’idée est de ne pas trahir ça, de ne pas se travestir sous prétexte qu’on est dans un festival. 

J’ai la chance d’avoir une équipe vraiment hyper efficace qui nous permet de venir avec un maximum d’éléments, en terme d’installation, de scénographie, de mise en scène. Après, je me fais accompagner par toute mon équipe c’est-à-dire quatre musiciens sur scène quatre chanteurs.

Oui ce sont les vrais (rires). La petite spécificité c’est qu’il y a Charlotte Savary et les autres donc ils reprennent évidemment tous les titres qu’on a pu faire ensemble. Après il y a quelques morceaux sur lesquels on a eu une autre réflexion qui était plus de se dire, par exemple, qu’un titre comme "Heart Stop" avec Jennifer Charles on pouvait le refaire avec Charlotte qui est vraiment dans un univers en terme d’empreinte vocale. On n'est pas dans la trahison encore une fois et donc c’était intéressant. Ça permet de repenser tout cela en ayant une vraie synergie et une présence sur scène de tous ces gens-là. 

C’est un univers qui s’appuie beaucoup sur le dernier album qui est "The Dusty Rainsbow From the Dark", donc la tournée s’appelle "The Dusty Rainbow Experience". L’idée c’était de transcrire cet univers disque sur scène, essayer de l’amener vraiment dans un univers plus scénique, plus visuel. L’idée ce n'est pas de bloquer l’imaginaire de chacun, mais d'utiliser le pouvoir d’évocation de le musique et de faire une proposition de l’univers. Une vingtaine de réalisateurs a collaboré pour la mise en scène, la lumière... 

Il y a toujours une inspiration qui vient et après il n'y a pas forcément d’analogie directe. Ce n’est pas que tu reviens d’un pays et tu vas reprendre les musiques traditionnelles. Par contre entre le fait de ramener des disques, d’écouter des choses et surtout de voyager et d’avoir un regard sur nous qui est différent, je pense qu’il y a toujours quelque chose qui ressort. 

Après il y a des choses précises que moi j’arrive à percevoir. Par exemple, « Time to go » le titre avec Aloe Blacc, je l’ai fait en revenant d’Inde et pour moi c’était une évidence. 

Peut-être parce que je ne fais pas de musique électronique (rires). Non, je plaisante. Je pense que je suis quelqu’un qui a grandi avec beaucoup de pop, dans le sens le plus large possible c’est-à-dire la pop des années 60, des choses comme ça, des chansons qui sont représentées par des couplets-refrains- couplets-refrains. 

Au final, on est dans des formats qui sont traditionnels c’est-à-dire des 3mn30. Ce sont des formats qui me conviennent. 

Je voulais vraiment trouver une voix qui soit dans la perception de ce que j’avais. C’est-à-dire une voix anglo saxonne, pas américaine, un homme d’âge mur avec une vraie maturité, avec une expérience de la vie et en même temps avec une vraie force et un accent vraiment très très typique de ce que l'on peut avoir dans le conte et dans ce style de narration. 

Pour moi c’était un peu le portrait-robot. C’était quelqu’un qui avait travaillé en effet dans la BBC et qui a fait des feuilletons radiophoniques. La personne idéale. 

Le fait de sortir un deuxième CD avec une version instrumentale a une double vertu pour moi.
Dans un premier temps, ce sont des albums assez vocaux donc ça permet déjà d’avoir une lecture des titres un petit peu différents, de les écouter sous un angle instrumental. Je pense que la voix, c’est quelque chose qui vampirise beaucoup l’écoute. Quand on écoute un titre vocal, on a du mal à faire attention à tous les détails. Je pense que parfois le fait de réécouter des versions instrumentales permet de revenir vers les versions vocales avec une oreille différente. 

Ça s’est bien passé, je pense que l’accueil était très bon. Ce qui était intéressant c’était que le côté particulier, le côté conceptuel du disque était quelque chose qui pouvait de l’extérieur -en tout cas pour certains médias- ne pas forcément être une évidence. Je crois que là, encore une fois, on a tendance à anticiper sur la réaction des gens et à penser qu’ils ont besoin de choses très très formatées. On se rend compte qu’au final les gens sont beaucoup plus sensibles que l’on ne l’anticipe. Je suis très content. 

Ce sont deux choses différentes. Je crois que sur le disque, il y avait un propos esthétique fort, j’avais vraiment envie de conserver une atmosphère sonore.

Pour moi, la garantie de ça c’était de travailler à base de sampling; et quand on pense sampling, on a toujours le raccourci de l’utilisation de bruits, de mélodies pré-existantes. Pour moi, c’était un travail qui s’apparentait beaucoup plus à de la fabrication d’instruments. Je vais aller piocher dans des vinyle, extirper des notes, refabriquer des instruments et après à partir de ça je vais composer et ça donne une unité sonore. On est vraiment dans une production qui est racée, qui est dans une esthétique particulière.